第1回BUG ART AWARD

ファイナリストと審査員が会場に集い、いよいよ「BUG Art Award」の公開最終審査がスタート。

ファイナリスト6名によるプレゼンテーションとそれに対する質疑応答の時間が始まりました。

乾真裕子「葛の葉の歌」

日本民話や昔話をフェミニズムやクィアの視点から再構築するという作品を制作してきた。今回、元にした題材「葛の葉伝説」は大阪府和泉市に伝わるもので、葛の葉という狐が人間の男性と結婚し、子どもを産んで森へ帰るというもの。主に北陸地方で活動していた盲目の女性旅芸人である瞽女が残した「葛の葉子別れ」という歌から、狐でも人間でもない葛の葉という存在を見出した。それに加えて、女性でもない男性でもないノンバイナリーのアイデンティティを生きる友人のインタビューを合わせ、作品を構築。2チャンネルにしたのは、語り手は誰かということを考えたかったから。ファイナリスト展では、鑑賞者がいかに作品に入り込むことができるかを考え、展示を行った。グランプリ個展では、東京という土地について考えたいと思っている。古書店で見つけた書物、斎藤真一著『明治吉原細見記』に貼られていた切り抜き記事などから、遊女、慰安婦、養蚕業、製糸業が繋がっていることに気づく。それらは全て、周辺から中心地へという構造を持つ。そのような視点から、東京という土地で東京を問い直す作品を制作する予定。歴史から取りこぼされた無数の人々の声を聞き、作品を通してその声を世の中へ届けたい。

彌永ゆり子「material flow / signal」

制作を始めた初期から、デジタルで描いた絵をどのように見せれば美術に昇華できるかというテーマで制作を行っている。パソコンで絵を描くことが日常の中にあり、ネット黎明期に未知のものに心を動かされていた経験は、今も制作の原動力になっている。最近ではネットの普及によってものを手に入れることは、ネット上で気に入ったイメージを見ることと近い感覚になっていて、不思議に感じる。子どもの頃の遊びの延長でありつつ、ネットと密接に生きてきた自分自身の今昔の視点と、日々進化していくテクノロジーを含め、ネット上で見つけた工業製品、園芸製品を取り入れる試みを行っている。ファイナリスト展では、初めてインスタレーションに挑戦した。デジタル、工業製品などのそれだけでは唯一性を保てないものを合わせることで独特な作品となり、人の目を惹くところに私自身は面白さを感じていて、美術史の流れにおいても、自分にしかできない表現であると思っている。グランプリ個展では、そのために何ができるかを考え、ブラウン管やディスプレイなどを用い、過去から未来への道筋をつくりたい。自分ができることを増やしながら、自分でも見たことのない新しい自分の表現を見つけ出したいと考えている。

近藤拓丸「botanical capture」

何気ない日常の中で、突然妙なイメージが降ってくることがある。例えば、近所を散歩していて、木にフェンスが食い込んでいる姿を見た時、公園の遊具に植物が絡まっている姿を見た時。しかし、そのイメージはとても繊細で歩いているうちに消えてしまうので、常にメモ帳を持ち歩き、描き溜めるようにしている。それらを家で整理していると、どうやら自分は自然と人工物の間に見えないものを感じ取っていて、それを表現しようとしているのではないかと気づく。私は、植物自体には動く能力がない代わりに、動物を魅了して種子を運んでもらったり、動物側に何かをさせたりする能力があると考えている。それが、自分が考えている自然と人工物の間にある見えないものの正体ではないかと感じている。そのような思いからタイトルを「botanical（自然）」「capture（魅了する）」とした。ファイナリスト展の3DCG作品は、私が幼い頃から慣れ親しんで来たもので、実在しているようで実在していない、自然と人工物の狭間にあるようなツールだと感じている。グランプリ個展では、一番左手にドローイング作品を配置し、一番右手の奥に映像を配置予定。ドローイングから映像までをループ構造にし、鑑賞者のイメージが膨らむような展示にしたい。

宮内由梨「プシュケーの帰還」

自分の体や心なのに、なぜコントロールできなくなるのか？ そんな、人として生きることのままならなさ、もどかしさを皮膚と内臓の感受性から考えて制作している。私は生まれつき皮膚のバリア機能に問題があり、痒みに苛まれやすい。2017年にロンドンに行った時に再び症状がひどくなり、服も着られず、夜も寝ずに掻いていた。すると同居人に「What can I do for you？」と問われた。相手の気持ちは届いていたけれど、自分ですら自分に何をすればいいのかわからない中で、相手に何をしてもらえばいいのかわからなかった。こんな感覚はなくなってロボットになってしまえばいいのにと何度も思った。ただそういった状況が自分だけだと思えなかったので、制作を始めた。ファイナリスト展で使用したガーゼは、綿100％の細い糸でできているため痒みが起きにくい、私にとって大切な素材。母点の数と距離によって平面を分割する図を使ったパッチワークになっていて、湿疹をその母点と捉え、増殖していく様子を表現した。またそれを普段食べている果物の皮で少しずつ染めている。ガーゼの奥にあるのはロボットの翼。本来はロボットにしてもらう必要のない、もがいたり、震えたり、ままならない動きを表現。グランプリ個展では本作品を再構成するだけでなく、初期の作品から、遺伝子変異についてリサーチする新作に至るまでを繊細に表現し、パーソナルなところから、普遍的なところへ繋がっていく過程を丁寧に展示したい。

向井ひかり「対岸は見えない」

地のような箱に、模様みたいに小さかったり薄かったりする作品を細々と置いたものが私の作品。なぜ一つ一つの作品が小さくなるのかというと、小さい、大きいは自分の身体との比較による感覚から生まれるものだから。作品一つ一つをイメージする時に、自分の身体が同じ画角に入っているかどうかという感覚が、実際に風景を目で見る時と、後からそれを地図と照らし合わせる時との関係に似ていると思う。そして、青森から北海道を見た時に、地図で見れば向かい側に対岸があるのだが、その場で見ると全くそういう風には思えなかったという経験から、本タイトルになった。地の箱の上の面に載っている、映像と三枚の絵で構成された《はやいぬ》という作品は、温まった洗濯物やホカホカになった犬や猫の毛に顔を埋めるのが幸せだった記憶や、自分に関係なく散歩中一心不乱に駆け抜けていく犬、各駅停車しか停まらない電車のホームで急行列車が私の目の前を走り去っていく、そんな他者が自分に関係なく全力で稼働しているところをこちら側から見ている時に、自分との関係のなさや全力さが愛おしく、ちょっと笑ってしまう、そんな作品だ。グランプリ個展では、「軽銀のNASA」というタイトルのもと、会場の大きさと自分なりに格闘するという試みにチャレンジしてみたい。

山田康平「Untitled」

私は一貫して絵画作品を制作している。絵は一般的に「描く」という表現をすることが多いが、私の場合は「覆う、隠す」という表現をするようにしている。そのような絵の中における身体性や筆致の在り方が今のスタイルになった原体験は、子どもの頃、福井にある祖母の家に車で帰る時に何度も、九頭竜ダムを見たことである。その時に祖母や母が「村を沈めてダムをつくった」という話をよくしていたことが、自分の目で風景を見るということのきっかけになったように感じている。また、そのダムがつくられたことで作業員と村の人が結婚したり、人口が増えて小学校ができたり、という現象が起きたことも聞いたことがあり、一つの建造物ができることにより、その周辺の生態系が変わることに興味がある。これまでは縦位置の絵が多かったが、今回のファイナリスト展の作品は横位置の絵に。1.8×2.6メートルというこれまで自分の描いた横位置の作品には例のない大きさで、チャレンジングな作品になったと感じている。また、この展示では絵以外のメディアが多く、その中に混ざって展示できたことも意味があると思っている。「BUG」の会場は絵を綺麗に見せるための光量がしっかり調節できるので、グランプリ個展では、そういった環境を活用しながら今までにない大型の作品を展示したい。

ファイナリスト6名のプレゼンテーション終了後、休憩を挟んだ後に、審査会は後半戦へ。

各ファイナリストの作品やプレゼンテーションに対して、審査員より講評をいただきました。

講評＆審議

乾真裕子「葛の葉の歌」について

内海「本人が自覚的なのかはわからないが、映像投影箇所の壁にグレーの塗料が塗られていて、それが物質的な印象を与える。映像の光が消えた瞬間、その壁が前景化し、パーテーションでもあり作品の一部でもあるすだれも目に入り、一気に映像に映っていた人たちのリアルさが増した。グランプリ個展で取り扱う内容には非常に興味がある。しかし、テーマとして各要素が大きすぎるので、１年間の準備期間で納得のいくようなかたちになるかどうかが心配だ」

たかくら「クオリティーが高い作品。映像作品としてもしっかりと仕上がっているし、社会問題とも紐づけられていて、最終的な正解である、という印象を受ける。正解ではあるが、その先の気づきのようなものが欲しいと思ってしまった。言い伝えや信仰を重視しているが、それに対する呪術性やファンタジー性が削ぎ落とされている気がする。友人の話を取り入れながら創作にもチャレンジしてほしいし、現実を越える力が欲しい」

中川「作品として完成されている。映像作品としてどんな風に表現すればいいのかを、熟知している。一方で、友人の語りと、乾さんが演じている役との接続が弱い気がした。また、『葛の葉』の伝説をしっかりリサーチしていることは理解できるが、それを知らない鑑賞者に理解を促す工夫が少ないと感じた。例えば、日本文化に疎い非日本語話者にどのように伝えるかなど、考えてみてもいいのかもしれない」

菊地「人間と狐とノンバイナリーの友人。乾さんのプレゼンテーションを聞いても、どこまで行っても接続できない。少し安易な考えなのかなと思ってしまう。何となく聞いていると、理解できそうな感じもするのだが、違和感は拭えない。そのようなストーリーとしては、綺麗な話なのだが」

横山「『葛の葉』伝説とノンバイナリーの友人の話と、どちらもとても繊細で、扱うにあたってディテールをしっかりと考えなければならないテーマ。両者の関係性はわかりにくいが、『葛の葉』だけでは伝わりづらい部分が友人のインタビュー映像によって補完されているところもあると思う。新しいテーマもあるようなので、今後も丁寧にリサーチして作品として発表していってほしい」

彌永ゆり子「material flow / signal」について

菊地「平成っぽいなと感じた。現時点でのメディアの問題まで表出している作品とは思わなかった。この時代感覚をずっと続けていくのも、作家としての一つの手なのかもしれない。あの手法を10年、20年やり続けたらどうなるのか興味がある。モノと画像の組み合わせが展示する上での安心材料にはなっているが、もう少し画像だけで勝負しても良さそうだ」

横山「額縁のモチーフが使われていて、絵画との関係性を想定していることはぼんやりと伝わってきてはいたが、プレゼンテーションを聞いて、絵画というものを強く意識していることがわかり、意外だった。ご自身のデジタル表現を位置付ける際に、絵画を相対するものと捉えるのであれば、額縁を登場させる以外にも、何か方法があるのかもしれない」

中川「絵画の中の世界と全体のインスタレーションとが繋がっているように見えない、という感想が正直なところ。ただし、お絵描きソフトでのデジタルの絵の描画過程を鑑賞者に見せる方法は面白い。」

たかくら「デジタルなものは絵画的表現として軽んじられるというムードと戦う気持ちはよくわかる。インスタレーションとして拡張しているが、絵画だけについてより考えられたものもみたい。インスタレーションとして展開する場合、工業製品をもっと「インターネット的なもの/ネットでしか売っていないようなもの」に選りすぐって、ホームセンターアートにならないように気をつけるとよさそう。」

内海「従来の絵画とデジタルで描かれた絵に対する鑑賞者の態度や評価の違いへの関心はあくまできっかけであり、そこから派生していった作品だと捉える。ネットで画像を見ることと、モノを手に入れることの感覚が近接していると述べていたが、ネットではショッピングだけでなく、意図していない余分な、あるいはショッキングな情報に触れることもある。媒体としてのネットの特性を単純化しすぎた上で、テーマに据えて制作するのは、何かが欠けている気がする」

近藤拓丸「botanical capture」について

たかくら「3DCG作品の空間がとても良い。歩いている最中に思いついたことを書き留めたメモ書きなども、とても良いしワクワクした。一方で、絵画の作品はしっくり来なかった。デジタル空間へのこだわりが素晴らしいなと思ったからこそ、それを手書きにすれば絵画と言えるんじゃないか、といった少し安易とも取れる印象を受けた」

菊地「絵画作品は、ちょっと他人行儀な印象を受ける。3DCG空間があるだけではいけないのかな？むしろ、あの3DCG空間の中に絵画を飾るという試みも面白そう」

中川「ファイナリスト展の作品は、メモ書き、3DCG映像、絵画、どれも平面に見えてしまう。3DCGの世界を体感しない映像投影だと、近藤さんのイメージしているものがあまり伝わって来ない」

横山「植物が動物の能動的な行為を誘発している、というアイデアが面白い。だが、その考え方は3DCG作品や絵画だけだと伝わりにくいのかもしれない。その補完のために説明的なドローイングを置いているのかな？テーマが良いので、もう少しエッセンスを絞って展示をしても良いのかもしれない」

内海「横山さんがおっしゃる通り、要素が多いかなと。絵画作品とメモ描きの作品が、３DCG空間の面白さとリンクしていない」

宮内由梨「プシュケーの帰還」について

中川「作品の構成が素晴らしい。一方で、宮内さん自身の身体の症状と関係が見えないのが、正直なところ。痒くて体中を掻くような体験を、この展示内容からは想像しづらい。個人的にはもう少し暴力性があっても良さそうだなと思った。その方が鑑賞者にも皮膚疾患や生きることのままならなさが伝わる気がする」

たかくら「自分もアトピーを持っているが、不思議とこの作品を見ても痒みの感覚などが伝わって来なかった。でも、それが良いなと思った。宮内さんの作品は自身の体験が出発点ではあるが、既に別の作品になっている。本人はそれに気づいているのだろうか？ロボットが癒しの存在になっているところも面白い」

内海「たかくらさんがおっしゃるように、既にこの作品は原体験を共有するという役割を担わされているのではなく、他者が自分自身のなにかを投影できる容れ物になっていると思う。このグループ展では一番高さがあり、一番奥という場所性に加えて、岩肌のように見えるガーゼや水の音の効果もあり、洞窟の奥になにかしらの生物がいる、という印象を受けた。自分にも他人にもわからない、そういう場所の大切さを表出していると思わされた。ただ、「もがく」というままならない動作や身体性からは離れてしまっているような気がするので、物体表面の質感や緊張を感じさせやすいように、ロボットの翼が片方くらい見えるように展示しても良いのかもしれない」

横山「見え方という意味では、スピーカーや配線が透けて全部見えてしまっているところが気になった。これは意図してやっているようには見えない。それが気になったし、本人的には良かったのだろうか？」

菊地「イメージレベルで言うと、宮内さんのやりたいことは達成されている作品。ただし、壁に伝ってつくられた半立体のかたちなどは造形的に弱く、成立しにくい作品であると言える。例えば、床まで使うという手もあったはず。もう少し形態としての説得力が欲しい作品だ」

向井ひかり「対岸は見えない」について

たかくら「やはり、地の箱の紙のよれや皺が気になる。一つ一つの作品が良いからこそ、細部が気になってしまう。意図的ではないのだとしたら、白である必要性があるのか考えてほしい。白であるということの意味は「ホワイトキューブ」の問題と結びついて非常に大きい。緊張感のある「地」である必要がないのであれば、別の素材や色でも良かったのでは？」

内海「光や湿度、温度といった空間の条件によって紙がコントロールを越えたところで変化することを作品の要素として捉えているが、何によってコントロールできないのかまでは把握できていない印象。単純に、場数の問題のような気がします。ただし、大きさの異なるものの組み合わせやスケール感に関しては上手い。バグるという意味では、個人的にスケール感のバグが生じたので、今回の展示作品のなかでは一番バグっぽいと感じた」

菊地「白い紙が問題なのではなく、構造が問題なのでは？中を空洞にして、床の方は紙だけの構造にすることでもっと柔らかい印象になると考えていたんだと思うが、そうならなかったのだろう。一つ一つの作品はすごく丁寧につくっていて良いし、地の箱ももっと良い状況にできるイメージが見えているからこそ気になる」

横山「ファイナリスト展の中で唯一、空間芸術というか、この会場に対して設置された作品であるという印象を受けた。自分がどの場所になるのかわからない状況の中でこのかたちにたどり着いたのは素晴らしいし、作品一つ一つも観るのが面白かった。仕上げに関しては課題があるが、向井さんが持っているその感覚は大事に育てていってほしい」

中川「自分の身体感覚をもってして、違う視座のものを一つの作品に集約するというすごいパワーを持つ作品。それぞれの細かな作品がどれも面白く、独創的。これは、(制作側の課題ではなく施設の問題なので)ナンセンスかもしれないが、将来、大きな美術館で展示をする場合に、美術館内で長期展示・保存できる構造のものを作れるのかが、少し心配だ」

山田康平「Untitled」 について

横山「山田さんの作品は以前にも観たことがあり、完成度の高い作品だとわかってはいたが、今回の作品も、赤く塗られた面とのギャップもあり、左にあるオブジェクトにしっかりと奥行きを感じた。色の組み合わせだったり、筆跡の残し方だったり、絶妙にコントロールしている。表面と奥行きを一枚のキャンバスに共存させることは、これまでの多くの画家が試みてきたことではあるが、山田さんの面と奥行きが共存しているこのスタイルは他にはないし、とても面白い作品だ」

内海「大きなサイズへの試みなど、端から見たら分からないけれども本人にとってのチャレンジができている。だが、その面白みや大切さは、残念ながら一回の展示だけではなく継続的に年月をかけて作品を見ていかないとわからない。それを踏まえた上でグループ展で一点勝負する潔さが心地良い反面、キュレーターとしてはなにか欠けているという感触も拭えない。プレゼンテーションやテキストが先行してしまい、絵自体でその実践に触れることが難しい展示になっているので、複数の作品で伝えるというアプローチもありだったのかもしれない」

たかくら「絵はかっこいいなと思ったが、それ以降の意図や思いは、伝わりにくい。今日プレゼンテーションを聞いて、初めて山田さんの考えや意図がわかった。やはり、複数の作品を展示した方が良かったのでは」

中川「山田さんの作品はみなさんがおっしゃる通り、技術的にも完成されている作品であると言える。今回はグループ展で制約があったのでこのかたちになったのかもしれないので、もっと広い会場でもっとたくさんの作品を観てみたい」

菊地「完成度が高いというよりは、センスが良いなと思う。サイズが大きいので、一枚だけの展示でも気にならない。だが、上下方向の掛ける位置が気になった。考えうる限りの凡庸な高さになっていて、これが意図しているようには見えない。これだけさまざまな形態の作品がある中で横並びにしてしまうと、商品陳列のように見えてしまう」

ファイナリストそれぞれの作品に対する講評が終わり、いよいよ投票へ。

まずは、グランプリの候補に挙げたいと思う2名のファイナリストを審査員それぞれに選んでいただきました。

1回目の投票結果

内海：宮内、向井

菊地：向井、彌永

たかくら：彌永、近藤

中川：宮内、向井

横山：乾、近藤

票を集計すると、向井ひかり3票、彌永ゆり子 2票、近藤拓丸 2票、宮内由梨 2票、乾真裕子 1票という結果になりました。票が割れたため、2回目の投票に移る前に、審査員の方からそれぞれ2名を選んだポイントについて一言ずつ語っていただきました。

それぞれのファイナリストへの期待や励ましともとれるコメントをいただいた後は、改めて投票を行います。審査員の方には、1回目の投票で票が入った5名から1名を選んでいただきました。

2回目の投票結果

近藤拓丸：2票

向井ひかり：2票

宮内由梨：1票

またしても票が割れ、最終決戦へと持ち越されます。最後は、2票ずつ獲得した近藤拓丸さん、向井ひかりさんの2名のうちグランプリに推薦したい1名を投票していただきました。

3回目の投票結果

向井ひかり：3票

近藤拓丸：2票

最後まで票が割れましたが、3票を獲得した向井ひかりさんが「BUG Art Award」初のグランプリに決定しました。

向井さん、おめでとうございます！向井さんのグランプリ個展は、同会場で約1年後に開催する予定です。ぜひ、みなさまお誘い合わせの上、ご来場ください。